Bienvenue à Gattaca [Gattaca - 1997 - 106']

L'un des films de science-fiction les plus intelligents et les plus provocateurs [rogerebert].

L'histoire se déroule dans le futur, où les êtres humains sont divisés en deux catégories : les valides, nés avec des caractéristiques génétiques parfaites, qui ont les rôles les plus prestigieux dans la société, et les invalides, relégués aux services les plus humbles. Vincent, qui est né sans recourir à la manipulation génétique, a des carences cardiaques et il est donc considéré comme invalide. Il veut à tout prix devenir astronaute et parvient, grâce à un subterfuge, à entrer dans Gattaca, le corps aérospatial. Vincent "achète" l'identité génétique d'un athlète valide qui est maintenant en fauteuil roulant suite à un accident. Suspense et rebondissements alternent tout au long du film, l'un des meilleurs films d'Andrew Niccol (S1m0ne, Lord of War).

* Un sujet intéressant pour un débat - en particulier avec des ados - serait la recherche de sa propre identité : suis-je satisfait de mon image ? Et de mon image "intérieure" ?
* Quelles sont les qualités positives que je rencontre quand je travaille à "façonner" mon image ? Dans le film, ils se nomment générosité, altruisme ou amitié et elles arrivent comme des imprévus : on peut les évoquer ensemble ...

Recommandé pour les 16 ans et plus, avec quelques scènes délicates ...

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ilfuturotornato [it]  -  sentieridelcinema [it]

Simone [S1m0ne - 2002 - 115 min.]

Simone est une comédie très agréable, adaptée à une soirée "détente" et, en même temps, pleine d'idées pour un débat. Le réalisateur Viktor Taransky (l'excellent Al Pacino) est très stressé : d'une part la star de son dernier film fait des caprices hystériques, d'autre part la production - dirigée par son ex-femme - lui impose des conditions de travail qu'il ne peut, en toute conscience, pas accepter. Une fois licencié, alors qu'il se débarrasse du matériel filmé (les "bobines" du film) dans le studio de production qu'il doit quitter, un informaticien en fin de vie lui propose d'expérimenter un programme qui lui permettrait de créer une actrice virtuelle. L'actrice connaîtra un succès retentissant, qui ira bien au-delà de ce que le réalisateur aurait pu prévoir.

Si aujourd'hui nous sommes habitués aux acteurs virtuels - par exemple les effets spéciaux de La Planète des singes rendent les chimpanzés d'un réalisme surprenant - Simone semble se situer plutôt fin des années 70, quand la différence entre réel et virtuel était encore clairement visible à l'écran. On comprend donc l'incrédulité que Viktor suscite quand il explique que Simone n'existe pas vraiment.

Le film se prête à des lectures multiples. Tout d'abord, la relation star / production / réalisateur, même si parfois exagérée dans le récit, nous plonge au cœur du fonctionnement des « majors », les grands studios de production cinématographique. Les dialogues et les monologues d'Al Pacino illustrent des aspects importants de l'histoire hollywoodienne. La disparition (une fausse mort prématurée) et le retour de Simone, est exactement ce qui est arrivé à la première star de cinéma. Le comportement hystérique des fans, alimenté par des journalistes sans scrupules, nous montre certaines limites de l'industrie du divertissement. Mais le sujet fondamental d'un débat réside dans la relation de chacun de nous au virtuel, notamment aux réseaux sociaux (Facebook etc.).

C'est la fille de Viktor qui posera la question fondamentale : qui a vraiment rencontré Simone ? On se rend compte alors que toutes les relations avec la star étaient basées sur une image mentale, un désir, une illusion. Une fois cette illusion « clarifiée », la famille de Viktor se recompose : un final style comédie américaine oui, mais peut-être utile pour le moral dans le temps présent.
À partir de 14 ans.

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Kérity la maison des contes [2009 - 80 min.]

Le patrimoine littéraire est placé au centre de cette histoire comme un trésor à conserver et à transmettre.

Chez sa tante, récemment décédée, Nat (Nathaniel) découvre une bibliothèque spéciale : les personnages des histoires peuvent prendre vie et sortir de leurs livres. Mais les héros de son enfance risquent de disparaître si Nat ne prononce pas une phrase magique qu'il doit lire à haute voix. Le problème est que Nat n'a pas encore appris à lire ...

Avec un ton clair et adapté aux enfants à partir de 6 ans, cette œuvre aux dessins délicats parvient à transmettre avec poésie la valeur de la culture littéraire, qui, à cet âge, est véhiculée par les grandes fables classiques. Ce conte se prête à un dialogue sur la vie de famille (p. e. le rôle des aînés qui lisent des contes de fées aux enfants) et sur la relation entre frère et sœur. En fait, la communication de Nat avec sa sœur Angélica - d'abord difficile - devient l'aide indispensable pour résoudre les problèmes. Nat réussira à faire revivre les contes de fées pour nous faire rêver, petits et grands.

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This Must be the Place [2011 - 118 min.]

Cheyenne (Sean Penn) a quitté la scène rock depuis vingt ans, après que ses chansons aient inspiré le suicide de deux adolescents. Toujours au bord de la dépression, la star irlandaise vieillit dans l'ennui le plus sombre, se traînant de sa maison de luxe à un centre commercial des plus banals, jusqu'au bureau du courtier qui gère son portefeuille en bourse. La patience et la vivacité de sa femme ne suffisent pas à le secouer de la torpeur. Vient ensuite la nouvelle de la mort imminente de son père qui vit à New York et avec qui Cheyenne a coupé tous les ponts depuis 30 ans. Les funérailles sont l'occasion de retrouver ses racines juives et de découvrir l'obsession qui habitait son père depuis de nombreuses années : la recherche d'un criminel nazi. Le voyage initiatique à travers les USA pour achever l'œuvre du père devient alors l'occasion de se réconcilier - au moins dans son intime - avec la figure paternelle. Cette réconciliation fait tomber le masque de la rock star, qui revient à Dublin transformée et prête à affronter la réalité dans une perspective positive.

"J'ai aimé l'idée de tourner un roman sur la formation d'un homme de 50 ans : voir un garçon de 50 ans progresser et qui, à la fin du film, devient vraiment un homme" (interview du réalisateur Paolo Sorrentino dans Positif).

D'une grande qualité cinématographique, l'itinéraire de cet homme déprimé, qui grandit et redécouvre le sens de la vie en pénétrant le mystère du drame de son père, a une esthétique particulière, qui a laissé certains critiques perplexes. Entre méditation et humour, Cheyenne est un poète que les adolescents apprécieront particulièrement. Pour le ton de l'histoire et l'excellente bande originale (David Byrne des Talking Heads est présent avec un super morceau), le film sera une bonne base de discussion avec les jeunes. À partir de 14 ans.

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Dolls [2002 - 114']

Takeshi Kitano - surtout connu pour les films de yakuza (mafia japonaise) - nous invite à nous plonger dans la culture traditionnelle japonaise, à commencer par un spectacle de bunraku (marionnettes japonaises) dont le style imprègne l'ensemble du film, des costumes au rythme, aux éléments dramatiques.

Trois histoires s'entrelacent en presque deux heures : celle de Matsumoto, qui abandonne d'abord la femme qu'il aime pour un mariage de convenance. Mais il revient sur ses pas et consacre toute sa vie à son premier amour, qui a entre-temps perdu la raison. Pour éviter de la perdre à nouveau, il erre sans but avec elle, les deux attachés par une corde.

La deuxième histoire est celle d'un yakuza qui, dans sa jeunesse, a abandonné la fille qui l'aimait pour se consacrer plus librement aux activités mafieuses. Tout au long de sa vie, la fille l'attend à l'endroit où ils se sont quittés, jusqu'à ce que son homme revienne.

La troisième histoire est celle d'une pop-star défigurée par un accident de voiture et qui décide d'abandonner sa carrière pour ne plus se montrer en public. Son fan le plus dévoué fera tout pour pouvoir la rencontrer.

Le rythme du film - lent pour certains - nous permet d'entrer dans la vie et les choix des personnages, d'essayer de comprendre une abnégation romantique typique de cette culture. Parfois, les acteurs semblent évoluer sur la scène de la vie, manipulés par le destin comme des marionnettes. La qualité des costumes, les scénarios au rythme des saisons, la qualité des interprètes et le style narratif de Kitano font de son travail une véritable merveille. Si le symbolisme peut être un peu hermétique pour certains, le film se prête bien à débattre de la relation homme / femme et de la loyauté dans le couple.
À partir de 16 ans.

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Le Vieux qui ne voulait pas fêter son anniversaire

[Hundraåringen som klev ut genom fönstret och försvan - 2013 - 114']
Dans la maison de retraite où habite Allan Karlsson, se préparent les célébrations pour son 100e anniversaire. Mais le vieil homme en a marre de la vie de retraité et, passant par la fenêtre pour ne pas se faire remarquer, disparaît. Commence alors une comédie bien rythmée, amusante et sérieuse, où s'alternent les aventures du centenaire Allan et les événements extraordinaires auxquels il a participé lorsqu'il était plus jeune. Le film joue sur le registre de l'absurde, avec quelques personnages un peu "Forrest Gump", et avec des trouvailles qui rappellent le monde de Tim Burton.
Si l'aspect comique du film prédomine, le récit offre tout de même d'excellentes idées pour parler du troisième et quatrième âges, avec ses rythmes et ses valeurs.
Pour les plus sensibles : malgré le ton "léger", le film présente des scènes quelque peu violentes.
À partir de 16 ans.

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Super 8 [2011 - 112 min.]

Un groupe d'ados tourne un film "Super 8" de zombies lorsqu'ils découvrent une créature extraterrestre cachée par l'armée américaine.
Joe, le protagoniste du film, avec une poignée d'amis - tous des bons acteurs - parviennent à entrer en contact avec le "monstre".

Le film - excellent (à la fois pour le scénario, la photographie, le montage, etc.) - est une aventure passionnante, qui rappelle un peu l'atmosphère de "Stand by Me" et "ET l'extra-terrestre" . Malgré l'origine hollywoodienne, le film parvient à bien rendre la profondeur psychologique des personnages et à approfondir la substance de certaines relations clés :

• Joe et son père, après la mort de la mère (qui est mentionnée au début de l'histoire) ;
• Alice (la "flamme" de Joe) et son père, en conflit depuis des années avec celui de Joe ;
• entre les pré-ados, avec l'idéalisme / espoirs / déceptions typiques de l'âge ;
• entre les forces armées - avec leur logique de pouvoir - et la population civile.

Excellente aussi la mise en abyme, le "film dans le film" : dans le Super 8 que les enfants tournent sur des zombies, la fantaisie et la ténacité font des miracles (certaines scènes peuvent être un peu fortes pour les plus sensibles).

Pour présenter le film, il est peut-être utile de dire que :
il se déroule dans les années 70, lorsque les films Super 8 - avec leur support "argentique" - étaient encore utilisés, il n'y avait pas de magnétoscope, ni de caméra/téléphone numérique. N'ayant pas de téléphones portables, ils communiquaient avec le téléphone filaire. Les garçons, pour leurs communications "privées", utilisaient des talkies-walkies.

Le film se prête au dialogue sur divers sujets tels que :

• l'amitié et ce qui la rend unique comme expérience ;
• la mémoire, en particulier celle des proches qui ne sont plus là ;
• la relation avec le « différent » ;
• le cinéma et sa fonction dans notre vie.

A partir de 13 an.

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rogerebert [en]  -  eyeforfilm [en]

Little Miss Sunshine [2006 - 101 min.]

Voici un film drôle, qui nous projette au cœur des relations tumultueuses d'une famille très "déphasée". Olive, 7 ans, rêve de participer à un concours de "petites reines" - style Miss America pour filles. À la maison, son grand-père, qui renifle de la coke, l'aide à préparer un numéro pour la compétition (il a été expulsé de la maison de retraite car il trafiquait de la drogue). Richard, le père, cherche désespérément le succès éditorial avec son "Handbook for Success". Dwayne, le frère aîné, a fait vœu de silence et semble détester tout le monde. La mère, Sheryl, tient les morceaux ensemble comme elle peut, et doit également s'occuper du frère homosexuel qui a tenté de se suicider et qui vient vivre à la maison. Après d'intenses négociations, la famille entreprend un long voyage en mini-bus pour accompagner Olive à la compétition tant convoitée. Chaque memebre de la famille est quelque part "perdant" et devient alors témoin de la dissolution du rêve américain. Mais cette aventure sera aussi l'occasion d'apprendre à voir les relations familiales sous un nouveau jour. Le voyage, pour le moins mouvementé, redéfinira les relations et donnera à chacun l'opportunité, de manière inattendue et imprévisible, de se réconcilier avec soi-même et avec les autres.

Pour les situations paradoxales et quelques références sexuelles explicites (soft), le film n'est pas pour tout le monde, mais presque ...
De 14 ans.

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Démineurs [2008 - 131 min.]

[ The Hurt Locker ]

" La fureur de la bataille provoque souvent une dépendance mortelle, car la guerre est une drogue. "
La guerre qui se déroule dans ce film est particulièrement sale, subtile, habitée d'ennemis invisibles qui n'hésitent pas à faire exploser des civils non armés. Mais ceux qui tentent de contenir cette vague de violence ont peu du héros classique. Super-homme et super-fragile, le démineur William James (incarné par le grand Jeremy Renner) apparaît comme un inconscient à la recherche d'émotions fortes. Et les émotions dans le film ne manquent pas, assorties de suspense et d'une certaine dose de violence. Malgré cela, le film est à recommander pour l'acuité de l'analyse de la psyché masculine. Le héros apparaît, en effet, génial sur le champ de bataille, et incohérent dans les responsabilités familiales. La réalisatrice, Kathryn Bigelow, est la première et seule femme à avoir reçu l'Oscar du " meilleur réalisateur " grâce à Démineurs.  Elle suggère un certain manque de "courage quotidien" des protagonistes : ce courage qui permet de faire face à la routine familiale, ouverte à la vie, par opposition aux champs de bataille.
Le film propose des arguments solides pour un dialogue avec un public adulte. Personnes particulièrement sensibles s'abstenir. À partir de 16 ans.

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Radio [2003 - 105 min.]

 " Si vous cherchez un film dans lequel ce ne sont pas les bombes qui explosent mais les émotions, où le but n'est pas de blesser mais de guérir, et si vous voulez voir une histoire américaine peuplée de gens simples, avec de beaux visages, qui prennent des décisions complexes au nom de la tolérance, courez voir Radio "(Francesco Alò, Il Messaggero). C'est l'histoire vraie de James Kennedy, un garçon noir handicapé mental, appelé "Radio" pour sa manie de collectionner des postes de radio. L'entraîneur de l'équipe de football américaine locale s'intéresse au garçon simplement parce que "cela semble juste", en l'intégrant dans la vie de l'équipe en fonction de ses capacités limitées. Les préjugés et la méchanceté ne manquent pas, tant chez les jeunes que chez les adultes, qui considèrent la présence de Radio comme une "perturbation", une anomalie. Coach Jones (l'entraîneur), avec persévérance et défiant les préjugés, pourra secouer les gens "bien" de la petite ville du sud pour les aider à surmonter leurs peurs. Cette démarche montrera clairement ce qui est l’important : "c'est bien plus ce que nous recevons d'une telle personne que ce que nous donnons".

Un excellent film pour parler des préjugés, de l'exclusion et du délicat équilibre que chacun doit trouver entre la vie publique et les engagements familiaux.
A partir de 12 ans.

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Le Géant de fer [1999 - 83 min.]

[The Iron Giant]

Malgré les années qui se sont écoulées depuis sa sortie, le film a toujours un charme spécial, autant pour les garçons et que pour les filles. C'est l'histoire d'un garçon ingénieux, qui attend l'invasion des extraterrestres dans son banal et très calme village aux États-Unis.
Un beau jour, un énorme robot (le géant de fer) arrive sur terre et se cache dans les bois qui entourent la maison d'Hogarth. Le garçon - 9 ans - décide de se lier d'amitié avec le géant, le cachant des autorités fédérales qui veulent le détruire. Le film est amusant et profond, avec de nombreuses idées de dialogue.

Nous pouvons partir de valeurs : du rejet de la violence, à la découverte de la partie la plus précieuse - et qui ne meurt jamais - de chacun, à l'amitié. Une amitié qui doit s'affiner à travers diverses difficultés.
Une question qui fonctionne bien pour un débat (j'ai fait le test à partir de 9 ans) peut être : "quelles sont les difficultés que Hogarth et le géant doivent surmonter pour devenir de vrais amis" ?
Il est intéressant de mettre en valeur la scène avec la neige : que se passe-t-il à ce moment-là et pourquoi le réalisateur a-t-il décidé de faire tomber la neige juste là ?
Le géant s'humanise au contact du garçon. Que signifie "s'humaniser" ?
Il sera intéressant d'analyser l'évolution du caractère "machine de guerre" du robot, qui parvient alors à contrôler ses pulsions pour aimer l'humanité.
Recommandé pour les 7 ans et plus.

ecranlarge [fr]  -  rogerebert [en]  -  filmtv [it]  -  wikipedia [it]

Dear Frankie [2004 - 102 min.]

Frankie est un garçon écossais de 9 ans, éveillé et profond. Il correspond par lettre avec son père, marin, et toujours en voyage. En réalité, les lettres que Frankie reçoit sont écrites par Lizzie, la mère avec qui il vit et qui a "inventé" un papa, cachant la vérité sur le vrai homme instable et violent qu'était son père. La communication par lettre devient progressivement indispensable pour la mère et l'enfant. Frankie vit en effet enfermé dans un monde à part à cause de sa surdité et les lettres sont pour Lizzie "le seul moyen d'entendre sa voix". Mais un jour, il s'avère que le navire "Accra" sur lequel son papa a embarqué, et qui existe vraiment, doit arriver dans le port voisin de Glasgow. Frankie attend alors avec impatience le moment de rencontrer son père.  La mère recourt alors à un expédient.
Le film nous amène doucement à partager les rêves, les illusions et les espoirs des protagonistes, tous très crédibles. Leur imagination permet d'éviter le mélodrame, de trouver l'équilibre et le sérieux pour faire face à des problèmes délicats : absence / présence du père, solitude, handicap, violence familiale.
14 ans et plus.

filmup [it]  -  rogerebert [en]  -  abusdecine [fr]

Sur le chemin de l'école [ 2013 - 76' ]

Dans de nombreuses régions du monde - et en particulier dans les pays les plus pauvres - l'éducation est une conquête. Le documentaire « Je vais à l'école » raconte le parcours ardu de quatre garçons et filles pour rejoindre leur école : à pied, à cheval, en fauteuil roulant. Le désir d'apprendre et se préparer pour un avenir meilleur les aide à surmonter toutes sortes de difficultés. Un aspect intéressant du film est la solidarité qui sert de contrepoint à chaque histoire : que ce soit pour accompagner les plus jeunes sœurs, aider un ami qui a mal aux pieds ou pousser le frère handicapé sur un fauteuil roulant précaire. Les images soignées et la bonne bande sonore compensent une mise en scène par moment artificielle. Mais dans l'ensemble le film est très agréable, aussi parce qu'il nous aide à découvrir des modes de vie très éloignés les uns des autres : Kenya, Maroc, Patagonie, Inde. Et si les quatre histoires nous montrent des situations de grande pauvreté économique, le film souligne avant tout la dignité de chacun, réussissant à véhiculer optimisme et envie de vivre.
A partir de 10 ans. 

écran-miroir [fr]  -  cinemafrica [it]  -  eyeforfilm [en]

Le conte de la Princesse Kaguya [2013 - 137']

[Kaguyahime no monogatari]
" Mis en scène comme une sorte d'aquarelle vintage en mouvement, qui raconte des lieux, des personnages et des histoires à travers la formidable capacité du réalisateur à évoquer des mondes en deux coups de pinceau et quatre mouvements, le dernier film d'Isao Takahata est un spectacle pour les yeux, les oreilles et le cœur, qui te prend dès la première minute et qui te plonge dans un monde à mi-chemin entre celui-ci et l'autre. "
(Andrea Maderna - IGN italia)
Le commentaire d'Andrea Maderna résume bien l'expérience esthétique que j'ai également eue "en contemplant" l'histoire de Kaguya. C'est une ancienne légende japonaise - l'une des plus célèbres - qui raconte l'histoire d'une princesse qui vit dans le ciel (sur la lune) et qui obtient la permission de passer une période sur terre. La soif de pouvoir et d'étroitesse d'esprit des hommes "raccourcira" l'expérience de Kaguya. Mais ne soyons pas dupes : malgré la distance culturelle, le film nous raconte de nombreux aspects de notre quotidien, en particulier les relations entre parents et enfants. Une belle réflexion qui peut nous aider à considérer les enfants comme "cadeau" et non "possession".
Le film est un peu long, donc peut-être adapté aux 12 ans et plus.

critikat [fr]  -  RogerEbert [en]  -  ign [it]

Lord of War [2005 - 122 min.]

 Le film commence par un cadrage du protagoniste (Nicolas Cage) qui se présente en déclarant son aspiration à armer l'ensemble de l'humanité. Suit l'ingénieux générique d'ouverture : le chemin d'une balle, de l'usine dans laquelle elle est forgée jusqu'à ... la cible. Le film est ensuite construit sur des flashbacks, dans lesquels le protagoniste raconte l'histoire qui l'a amené de son Ukraine natale à New York - où la famille tient un petit restaurant - sur les grands marchés d'armes, en Afrique en particulier. La "vocation" de Yuri Orlov - c'est le nom du protagoniste - est née dans le restaurant paternel, où, enfant, il a été témoin de l’exécution ratée d'un boss de la mafia. Là, il a compris qu'il pouvait rendre service à l'humanité : fournir des armes pour s'entre-tuer. Le sarcasme ne manque donc pas, mais l'histoire a des aspects très réalistes concernant le commerce international des armes et le cynisme qui l'accompagne.
Le film, d'une qualité impeccable et avec le rythme d’un film d'action, peut être une excellente occasion de prendre conscience d'un problème qui sous-tend toutes les guerres et qui "facilite" tant de crimes quotidiens dans nos villes "pacifiques". À partir de 16 ans.

L'une des meilleures sources d'information sur le sujet est le SIPRI (Stockholm International Peace Research Institute - Institut international de recherche sur la paix de Stockholm).

Sur les dangers associés à la libre circulation des armes, voir également Bowling for Columbine.

wikipedia [it]  -  rogerebert [en]  -  filmdeculte [fr]

Bowling for Columbine [2002 - 120 min.]

Le film est inspiré d'un triste fait divers : en avril 1999, à Littleton, au Colorado, deux élèves du Columbine High School - Erik et Dylan - ont tué 12 camarades de classe, un professeur, puis se sont suicidés. Tout cela après avoir fait une partie de bowling, matière enseignée à l'école.
À la fois dramatique et amusant, tragique et grotesque, le réalisateur Michael Moore parcourt la société américaine pour trouver la cause de la violence "moderne": la peur des autres. Moore se demande, avec une large utilisation à la fois des interviews et des matériaux du répertoire, pourquoi un nombre considérable de ses compatriotes se sentent dans une certaine mesure légitimés à utiliser des armes. La comparaison avec le Canada voisin est intéressante: même au Canada, les gens sont armés mais l'incidence de la criminalité est absolument incomparable avec celle des États Unis.
Un documentaire plus réussi que de nombreux films d'action, qui parvient à maintenir l'attention pendant deux heures. Très instructif et adapté à un débat avec des adolescents et des adultes. A partir de 16 ans.

voir.ca [fr]  - repubblica [it]  -  mymovies [it]

rogerebert [en]  -  spiritualityandpractice.com [en]

Paradise Now [2005 - 90']

Les nouvelles des actes terroristes - souvent perpétrés par des kamikazes - sont si fréquentes que nous y faisons peu d'attention, surtout s'ils s'agit des pays lointains.
La condamnation surgit de nos cœurs presque automatiquement, parfois accompagnée d'une touche de racisme. Le réalisateur palestinien Hany Abu-Assad, s'éloignant de la superficialité des médias, nous fait vivre 24 heures dans la tête d'un jeune kamikaze. Tout en montrant l'incohérence du fanatisme islamique, et sans aucune « sympathie » pour le terrorisme, il nous aide à comprendre les motivations d'un jeune homme qui décide de sacrifier sa vie pour une grande cause. Le film est un bijou pour cet équilibre délicat. Pas besoin de nous montrer des scènes d'explosions ou des corps mutilés : l'histoire est très bien articulée avec des bons moments de suspense.
Paradise Now pourrait être suivie de la projection de London River, qui montre plutôt le point de vue des deux victimes du terrorisme.

critikat [fr] - lemonde [fr]
eyeforfilm [en] - rogerebert [en] - revisioncinema [it]

Tel Père, tel Fils [2013 - 120']

[Soshite Chichi Ni Naru]
" Entre éducation et choix moraux, le film explore avec délicatesse le rôle des parents. "  (cineblog) 
Ryota et son épouse Midori sont un couple aisé qui vit dans un super appartement au centre de Tokyo. Un jour, ils apprennent que leur unique enfant Keita est en réalité le fils d'un autre couple : l’infirmière de la maternité a échangé les nouveau-nés à la naissance.  Leur enfant biologique grandit avec une famille de la banlieue pauvre, avec un petit frère, une sœur et un père apparemment un peu grossier. Ryota et sa femme sont confrontés à une décision grave : accepter ce que l'administration propose - l’échange - ou garder le bébé qu’ils ont vu grandir et qu’ils ont aimé pendant six
ans ?  La maturation de la décision est accompagnée par la découverte de la paternité, valeur beaucoup plus enracinée et réfléchie chez le père “pauvre”, qui, avec sa simplicité de vie, “fait la leçon” aux riches. Dans ce film assez fin, " nous sommes surpris par la vérité avec laquelle le réalisateur capte les réactions des deux enfants, coincés entre leur confiance dans leurs parents, le désir d'obtenir leur admiration et l'inconfort des malentendus... " Ryota apprend que " c’est son fils, son regard et son amour, qui font de lui un père, pas un exercice de la volonté, ni le lien du sang. "  (mymovies.it) Le grand talent du réalisateur Hirokazu Koreeda (I Wish, Still Walking, Nobody Knows) nous offre un film d'une grande poésie, où les petits ou les grands drames des personnages sont transformés par la force de la vie.

  lejdd [fr]  -  cineblog [it]  -  reelviews [en]
interview du réalisateur [fr]

States of Grace [Short Term 12 - 2013 - 96']

Le réalisateur Destin Cretton réussit, dans son deuxième film, un petit chef-d'œuvre de sensibilité. Avec un équilibre délicat entre le réalisme social brut et un espoir humaniste, le film nous fait vivre des moments très forts avec un groupe de jeunes à risque. Grace est la jeune manager d'une équipe de travailleurs sociaux qui gèrent un centre d'accueil pour les adolescents, chacun avec de profondes blessures psychologiques et morales. L'équipe se bat corps et âme pour permettre aux jeunes le maximum de sérénité dans un environnement structuré et rassurant. L'arrivée d'une jeune fille à risque éveille en Grace un passé difficile qui va la pousser à des choix fondamentaux pour sa vie.
De l'expérience de la protagoniste naît une question qui sous-tend l'ensemble du film : les blessures que nous portons à l'intérieur de nous même peuvent-elles être une source de guérison pour les blessures des autres ?  Alternant moments dramatiques, d'introspection, d'espérance et hilarants, le film peut nous aider à comprendre la difficile tâche de l'éducateur spécialisé. Mais aussi le drame de tant de jeunes qui doivent faire face à des situations familiales désastreuses.
Un film fortement recommandé ! (à partir de 14 ans)

lesinrocks [fr]  -  everyeye [it]  -  filmschoolrejects [en]

Le Chant de la Mer [Song of the Sea - 2014 - 93']

Une bande dessinée fascinante, à la fois pour la réalisation artistique que pour l'histoire.
Saoirse a perdu sa mère à la naissance. Elle vit dans un phare sur une île avec son père, le chien Joe, et son frère aîné Ben. Ce dernier a du mal à la supporter, en partie à cause de ses originalités. En effet à 6 ans la fillette ne parle pas encore et elle resent une grande attraction pour la mer, où elle veut se plonger toute habillée. Puis un jour, dans une vieille malle conservée au grenier, elle découvre une robe blanche qui lui fait retrouver sa véritable identité. Saoirse est en fait une "selkie", une fée un peu petite fille et un peu phoque, qui a pour mission d'éveiller les victimes de la sorcière Macha. La sorcière, incapable de supporter la douleur des êtres autour d'elle, les vide de leurs émotions, les transformant ainsi en pierre.  La fable - invention géniale du réalisateur irlandais Tomm Moore (Brendan et le secret de Kells) - est une belle occasion de dialogue sur de nombreuses valeurs.
Voici quelques exemples :

• Ben change lorsque sa sœur est en danger et qu'il risque sa vie pour la sauver.
• Saoirse et Ben transforment le cœur de la sorcière, lui faisant comprendre que les sentiments - même douloureux - sont importants pour la vie de chacun.
• C’est ce que les jeunes héros réalisent dans leur famille, pour transformer la douleur et aller de l’avant, trouver une nouvelle unité et donner de l'espoir au papa déprimé.
• L'importance de la solidarité et de la pureté du cœur pour aborder même les situations les plus difficiles.

Très appréciée la contribution de la chanteuse bretonne Nolwenn Leroy.
De six ans.

cineuropa [it] - lepoint [fr]